摘要：
2025年，第十五届全国运动会闭幕式在万众瞩目中落下帷幕。这场被誉为“以城为景，以海为台”的视听盛宴，不仅是中国体育精神的又一次璀璨绽放，更是舞台艺术与城市景观融合的巅峰之作。作为此次闭幕式的灯光总设计师，北京时光视艺文化传媒有限公司创始人牛亚飞带领团队，以“让灯光成为创意的翻译官”为核心理念，攻克室外海景照明的世界级难题，用光束在海面上构建起一座连接情感与时空的桥梁。本文将分章节，全景式复盘这一国家级项目的灯光设计历程。
第一章：光影宏愿——在海天之间重塑“城市舞台”
一、 时代的聚光灯：第十五届全运会的终章
当2025年的钟声与海浪的拍打声交织共鸣，第十五届全国运动会（以下简称“十五运”）的闭幕式在粤港澳大湾区核心水域徐徐拉开大幕 。这不仅仅是一场体育赛事的告别，更是一次对未来城市生活图景的艺术化展望。
夜幕低垂，原本空旷的海面被数千束光束瞬间唤醒。远处的城市楼宇群化作巨大的天然背景墙，霓虹闪烁的摩天大楼与近处波光粼粼的海面交相辉映，构成了一幅 breathtaking 的“海-桥-楼-园”全景画卷 。舞台不再局限于传统的体育场馆，而是延展至天地之间——以浩瀚大海为台，以繁华城景为幕，这是中国大型运动会闭幕式历史上一次大胆的场景革命 。
站在这一国家级盛事的幕后，不仅有无数运动员的汗水，更有一支顶尖的视觉艺术团队在暗夜中执笔。担纲此次闭幕式灯光总设计的，正是业界知名的舞台灯光艺术家、北京时光视艺文化传媒有限公司（以下简称“时光视艺”）创始人牛亚飞 。
对于牛亚飞而言，这次任务不同以往。他面对的不再是一个封闭的黑匣子剧场，也不是一个可控性极高的体育场内部，而是一片开放、流动的海域和一座呼吸着的城市。“对我们团队来说，这次设计不只是解决技术问题，更是要让灯光成为晚会创意与情感的‘翻译官’，”牛亚飞在接受专访时一语道破了设计的核心逻辑，“既要攻克室外海景照明的硬难题，更要让光与节目、与演员、与观众的情绪同频。”
二、 掌灯者：牛亚飞与“时光视艺”的艺术执念
作为一级舞美灯光师、中国舞台美术学会高级会员，牛亚飞的名字常与国家级重大活动联系在一起 [浏览获取的简介]。从2014年南京青奥会的青春飞扬，到2016年杭州G20峰会的江南韵味；从2019年国庆70周年晚会《奋斗吧中华儿女》的恢弘史诗，到2022年北京冬奥会的冰雪奇缘，他拥有十余年一线著名大型演出灯光设计的实战经验 [浏览获取的简介]。
2018年，牛亚飞创立了北京时光视艺文化传媒有限公司 [浏览获取的简介]。这家以创意设计为核心的企业，汇聚了一批拥有18年以上行业经验的核心成员。他们的理念朴素而深刻：“让创意通过假定性场景，还原真实性场景，给观赏者带来更加入境、入景、入心视听盛宴。” [浏览获取的简介] 这一理念，在十五运闭幕式的设计中得到了淋漓尽致的体现。
在十五运闭幕式筹备与执行的全程中，牛亚飞始终贯彻着“功能性为基、艺术性为魂”的设计思维 。他深知，灯光设计早已告别了单纯“照亮”的时代，它必须是一门综合艺术，要与整体环境、空间结构、机械装置深度咬合 。面对大湾区这片充满活力的水域，他带领时光视艺灯光设计团队，开启了一场关于光影的极限挑战。
三、 破题：如何把“空旷的大海”变成“会讲故事的舞台”
“把海面照亮”，这五个字听起来简单，实则是此次设计最核心的挑战，也是创意落地的生命线 。
与室内剧场不同，室外海面环境极为开阔，缺乏光的反射介质。在室内，灯光师可以利用烟雾机制造均匀的雾场，让光束显形，从而渲染色彩和氛围；但在海边，海风瞬息万变，烟雾很难存留，常规的灯光设备打出去，往往会被黑暗的虚空吞噬，无法形成有效的视觉张力 。
“室外则不同，受环境影响，烟雾很难达到理想效果，”牛亚飞分析道，“所以在应适用于该场地，就会选择投射距离远的大功率、高照度，光质良好、设备本身防雨性好、体量也会相对应多一些。”
为了解决这一难题，牛亚飞团队做出了大胆的技术决策：摒弃常规设备，大规模定制和使用大功率激光光束灯 。这种灯具如同锋利的手术刀，能够切开潮湿厚重的海面夜空。
从现场画面可以看到，无数道锐利的光束从岸边、桥梁和浮台上射出，它们不仅照亮了海面，更在空中交织成网。例如，在全景镜头中，蓝紫色的光束从舞台中心向四周辐射，与远处楼宇外立面的灯光秀无缝衔接，将原本割裂的“海”与“城”缝合在了一起 。光束穿透了黑暗，把原本空旷寂寥的海面，瞬间变成了一个立体、饱满、能“讲故事”的舞台主体 。
四、 确立坐标：三大目标锚定光影秩序
在解决了“亮起来”的基础问题后，牛亚飞迅速制定了灯光设计的艺术坐标。他提出了三个精准的目标，为整个团队的作业指明了方向：人物照明精准、空间造型立体、全域亮化统一 。
- 人物照明精准：在十五运闭幕式的舞台上，不仅有专业的大型歌舞团，还有大量的群众演员，甚至观众席本身也是演出的一部分 。例如，在《星辰大海》篇章中，数以百计的身着发光服饰的演员在移动舞台上排列成阵列，灯光必须精准地捕捉到每一个个体的动态，同时又要保证整体画面的和谐 。牛亚飞强调，必须处理好“主表演区、辅助表演区、观众席”之间的光比关系，既不能让群演的光抢了主角，也不能让观众席陷入死寂，要达成“人在景里、景在光里”的完美融合 。
- 空间造型立体：闭幕式利用了大量的水中升降舞台、空中吊屏、威亚和大型机械 。从现场照片中可以看到，巨大的红色集装箱在空中悬吊，演员在其内部表演，灯光不仅要照亮集装箱内部，还要在外部勾勒出它的运动轨迹 。还有那些在水面上漂浮的立方体装置，大提琴手端坐其上，灯光通过侧向的切光，让立方体呈现出强烈的体积感，仿佛悬浮于深蓝海面之上的水晶宫 。
- 全域亮化统一：这是此次设计最大的格局所在。牛亚飞不只是在做舞台灯光，而是在做城市景观照明的统筹者。设计团队将“大桥、楼宇、公园树木和剧场顶棚”纳入了统一的控制系统 。光束像纽带一样，把城市分散的景观串联成“海-桥-楼-园”一体的大背景 。如在国旗升起的庄严时刻，背景中的摩天大楼群集体呈现出中国红的色调，与舞台中心的红色旗阵遥相呼应，实现了视觉上的宏大叙事 。
五、 理念升华：光作为“翻译官”的艺术修养
牛亚飞常挂在嘴边的一句话是：“紧扣主题思想，表现环境和时空关系，把规定的情景表达清楚，这个本质任务是不会改变的。” 但在十五运闭幕式上，他将这一任务推向了新的高度——光语汇（Light Language）。
“灯光设计更加注重光语汇，通过光的形式语言来表达节目和歌手的情绪。光也不是很注重写实，更偏重于写意，有意境、有高潮、有缓和、有唯美。”
这种“写意”在闭幕式的多个篇章中体现得淋漓尽致。当音乐激昂，如大型歌舞进入高潮时，牛亚飞使用高饱和度的光束向前推进，红与金的光芒如同海浪般席卷而来，将现场的张力拉满 ；而当歌手演唱抒情曲目时，灯光立刻转换为低明度的柔光，色温转暖，仿佛月光洒在海面，让氛围沉静下来，与歌手的呼吸紧密贴合 。
这种对情绪的精准捕捉，源于设计团队“全程跟着晚会创意思路走”的工作模式 。灯光不再是独立存在的元素，它像水一样，渗透进创意的每一个缝隙，成为了创意的“翻译官”，将抽象的导演构思翻译成观众肉眼可见的视觉震撼。
第二章：匠心微澜——在分秒之间雕刻“光之呼吸”
一、 听得见的光：与旋律同频的视觉通感
在十五运闭幕式的现场，光不再是静止的照明工具，而是变成了可视化的音乐。牛亚飞团队在设计初期就确立了“全程跟着晚会创意思路走”的原则，让灯光成为音乐情绪的直接延伸 。
“好的灯光从来不是‘自说自话’，而是要跟所有元素‘搭好班子’，”牛亚飞不仅关注视觉，更深谙听觉与视觉的通感转化 。
当晚会进入高潮乐章，比如大型歌舞类节目时，海面的夜空被高饱和度的光束瞬间点燃。设计团队采用大功率激光光束灯向前推进，强烈的线性光束如同乐谱上的重音符，划破长夜，将现场的视觉张力拉满至极限 。这种高能量的光影爆发，我们在现场拍摄的画面中可以清晰看到——无数道光束从舞台边缘喷薄而出，直刺苍穹，与远处城市楼宇的动态灯光形成呼应，营造出一种排山倒海的气势 。
而当音乐转入抒情篇章，光影的节奏瞬间慢了下来。例如在歌手演唱环节，牛亚飞果断切换为低明度的柔光策略。色温由冷转暖，光线不再锐利，而是像薄纱一样轻轻笼罩在舞台周围 。这种设计让现场的氛围迅速“沉”下来，不仅让观众的注意力从宏大的背景聚焦到歌手身上，更让光影与歌手细腻的情感表达贴得更近，仿佛海风中温柔的呢喃。
二、 追逐影子的光：毫厘之间的动态捕捉
在波涛起伏的海面上，要让光精准地打在移动的演员身上，是一项极具挑战的技术活。牛亚飞提到的“让光跟着创意走、跟着情绪动”，在舞蹈演员的处理上体现得尤为极致 。
“提前跟导演对了无数次动作轨迹，把灯光区域程序精准到每一个转身、每一个造型，”牛亚飞透露了背后的笨功夫——数千次的彩排与数据校对 。
在闭幕式的舞蹈章节中，演员的每一个跃起、每一次旋转，光都如同影子般紧随其后。设计团队追求的是“光追人走”的境界：当演员跳跃至空中时，追光不仅要照亮面部，更要刚好托住其肢体轮廓，利用逆光或侧光勾勒出人体在空中的剪影，让动作的立体感在黑暗的背景中突围而出 。
这种精准度在群体表演中尤为震撼。从现场图片可以看到，身着发光服饰的演员方阵在移动舞台上变换队形，灯光不仅要照亮个体，还要在海面上切割出清晰的表演区域，确保数百人的动作整齐划一地呈现在观众眼前，没有任何光影的死角或干扰 。
三、 机械的舞伴：硬科技背后的柔性光辉
十五运闭幕式是一场高科技的集成秀，水中升降舞台、空中吊屏、威亚索道以及大型机械装置的频繁使用，给灯光设计带来了巨大的空间障碍 。如何让光避开这些巨大的移动物体，或者与之共舞，是牛亚飞团队必须攻克的难题。
“这些细节看着小，但少一步，灯光效果就会‘断档’，”牛亚飞对此有着清醒的认知 。
在“2025”大型集装箱装置从空中缓缓降落的震撼瞬间，我们可以看到一个红色的集装箱在威亚的牵引下悬停海面，内部演员正在进行表演 。为了呈现这一画面，设计团队提前计算了集装箱的每一寸运动路线。
- 避让与预留：当吊屏移动时，灯光必须提前在预定区域“留白”，确保光束不会直射屏幕造成反光，也不会被庞大的机械结构遮挡，破坏画面的完整性 。
- 安全与意境：对于在空中飞行的威亚演员，灯光不仅是艺术，更是生命线。设计团队在演员路线的两侧精心布置了辅助光，既保证了演员在黑暗高空中的视野安全，又通过巧妙的角度控制，不破坏整体海面那种空灵、唯美的意境 。
这种对机械运动轨迹的完美预判，使得巨大的工业机械仿佛也有了生命，它们在光影的配合下，不再是冰冷的铁架，而是变成了舞台上会跳舞的巨人。
四、 情绪的调色盘：从“海韵”到“欢庆”的光色流转
如果说技术是理性的支撑，那么色彩就是感性的宣泄。牛亚飞强调，室外“以海为台”的场景很难像室内那样通过烟雾渲染色彩，因此光的颜色变化成为了传递情绪最直接的手段 。
“更重要的是用光的变化传情绪：节目起承转合的时候，光的颜色慢慢变、流动速度跟着改，”牛亚飞描述了这种细腻的操作 。
在闭幕式的序章，为了展现大湾区的海洋文化，灯光主打深邃的蓝色调。激光光束勾勒出海面波浪的轮廓，与远处建筑的冷色灯光融为一体，营造出一种神秘、浩瀚的“海韵”氛围 。那一刻，观众仿佛置身于深海之中，感受着大海的呼吸。
随着晚会进程的推进，当进入全运会会旗交接、展望2025的欢庆时刻，光色悄然过渡。暖橙色、金黄色乃至热烈的中国红逐渐占据主导。这种色彩的流动不是突兀的切光，而是像潮水一样慢慢漫过舞台 。从蓝色的静谧过渡到暖色的欢腾，观众的情绪也在不知不觉中被光影牵引，最终在“2025”字样亮起的瞬间达到沸点 。
五、 结语：光影的使命
在这一章中，我们看到了牛亚飞团队如何用技术克服自然的狂野，用艺术软化机械的生硬。他们不只是在照亮一个舞台，而是在用光编织一种语言，一种能够跨越语言障碍、直接与观众心灵对话的“光语汇”。
正如牛亚飞所言：“最终看到观众能跟着灯光的节奏‘入景、入画、入心、入意’……我觉得这份设计才算真正完成了使命。”
第三章：宏阔与微尘——构建“海-桥-楼-园”的光影生态
一、 城市的骨架：打破舞台的“第四堵墙”
在传统的体育场馆闭幕式中，灯光师的视野往往被看台顶棚所局限。但在第十五届全运会闭幕式上，牛亚飞面对的是一个没有天花板的“无限舞台”。
“晚会的创意是‘以城为景’，灯光就得先把这个‘景’的骨架立起来，才能支撑后续的节目呈现。”牛亚飞深知，如果远处的城市是一片死寂的黑暗，那么海上的舞台就会变成一座孤岛 。
为了打破这座“孤岛”，时光视艺团队实施了一项庞大的全域亮化工程。他们将视线从舞台中心向外无限延伸，锚定了“大桥、楼宇、公园树木和剧场顶棚”四大坐标体系 。
从全景镜头中我们可以看到震撼人心的一幕：远处的跨海大桥如同一条发光的巨龙横卧水面，其蓝色的轮廓光与舞台基调完美呼应 ；更远处，CBD的摩天大楼群不再是杂乱的背景板，而是化身为巨大的垂直屏幕，随着舞台节目的节奏律动。当舞台上红旗招展，远处的高楼也同步披上“中国红”的盛装 ；当舞台展现科技未来，楼宇立面则闪烁着赛博朋克的冷光 。
这种“海-桥-楼-园”一体化的设计，成功将分散的城市景观串联成了一个有机的整体 。光束像看不见的神经网，将城市的每一次呼吸都与舞台的脉搏同步，真正实现了“以城为景，以海为台”的核心场景定位 。
二、 光比的艺术：在千军万马中寻找焦点
如果说城市背景的亮化是做加法，那么舞台区域的布光则是一场精密的减法——即如何在数千人的大场面中，精准地引导观众的视线。
闭幕式汇聚了大型歌舞团、专业团体演员、群众演员，甚至连现场观众也是演出的一部分 。面对如此复杂的人员构成，牛亚飞提出了严格的层级划分策略：“必须要处理好几者之间的光比，区分出主要表演区、辅助表演区、观众席等方面关系。”
- 主角的突围： 在群众演员众多的场景下，如何避免“喧宾夺主”？牛亚飞团队采用了差异化的亮度策略。比如在大型群体表演中，核心领舞或关键道具（如空中的发光集装箱、水面的大提琴手）会被高照度的追光或定点光重点关照 。
- 群演的融合： 对于成百上千的群众演员，灯光不再强调个体的面部细节，而是将其视为流动的色块或肌理。从现场照片看，身着统一服装的演员方阵在泛光照明下，呈现出如同潮汐般壮阔的整体动势，他们的光既不能抢了主角的风头，又不能显得暗淡无光，必须恰到好处地衬托出画面的厚度 。
- 观众的“入画”： “也不让观众席的光显得脱节。” 观众席不再是黑暗的看客区，而是被纳入了整体氛围光的覆盖范围。柔和的环境光让观众感受到自己也是这场盛典的一分子，实现了“人在景里”的沉浸感。
三、 空间的分层：用激光“切割”海面
在“以海为台”的特殊环境下，缺乏物理实体作为参照物，空间很容易显得扁平。牛亚飞团队巧妙地利用光束来制造空间的层次感。
“我们用激光光束勾海面和建筑的边，让空间有层次；不同区域的亮度故意做出差异，比如表演区亮一点，背景楼群暗一点，这样焦点才清楚。”
这种“勾边”技术在现场效果图中表现得尤为明显。锐利的蓝色激光束贴着水面扫射，勾勒出舞台的物理边界 ；而投射向空中的光束则构建了虚拟的穹顶。通过明暗的对比（表演区的高亮 vs 背景楼群的低亮），设计团队在浩瀚的海面上通过光影“切割”出了一个个独立的戏剧空间，让观众的视线在宽阔的视野中始终有落脚点 。
四、 结语：不仅是照明，更是翻译
回望整个设计过程，从解决海面照明的技术难题，到与机械装置的精密配合，再到统筹城市景观的宏大叙事，牛亚飞始终在践行一个理念：灯光是创意的“翻译官” 。
他没有把灯光仅仅当作一种照明工具，而是将其作为一种无声的语言，翻译着导演的构思，翻译着音乐的情绪，翻译着这座城市的雄心。
“我一直觉得，现在的舞台灯光早不是‘照亮就行’的时代了，它是一门要跟所有环节‘协作’的综合艺术。” 牛亚飞在访谈的最后总结道。
这次第十五届全运会闭幕式的灯光设计，无疑交出了一份教科书级别的答卷。它证明了，当创意与技术深度融合，当光影与情感同频共振，即便是面对最难驾驭的大海与最庞杂的城市背景，也能创造出“入景、入画、入心、入意”的传世之作 。
第四章：场景复盘——经典时刻的光影解构
一、 蓝色海韵：大提琴矩阵与孤岛效应
在闭幕式的众多篇章中，大提琴演奏环节以其极致的唯美与宁静，成为了“海韵”主题的最佳注脚。
画面描述： 从现场的高清画面中我们可以看到，漆黑的海面上漂浮着数个错落有致的立方体装置，身着礼服的演奏家端坐其上 。整个场景被深邃的蓝色调包裹，立方体的侧面呈现出如水波纹般的肌理，仿佛是从海底生长出的水晶宫。
灯光策略分析：
- 色温的极致控制： 牛亚飞团队在此处使用了极高饱和度的蓝色光。这种蓝不仅仅是冷色调的堆砌，而是为了与周围真实的海水形成视觉上的延伸 。光束没有选择漫反射，而是精准地切在立方体的表面，利用装置本身的材质反射出波光粼粼的质感，实现了“海-台”一体的视觉欺骗。
- 孤岛式布光（Isolation Lighting）： 为了在空旷的海面上聚焦视线，设计团队采用了“孤岛式”布光法。除了立方体和演奏者被照亮外，周围的海面被有意压暗。这种强烈的明暗对比（Chiaroscuro），在视觉上制造了一种孤独而高贵的意境。每一位演奏者都像是一座发光的孤岛，而音乐是连接群岛的唯一桥梁。
- 轮廓光的雕刻： 对于演奏者，灯光并没有使用大平光，而是侧重于侧逆光。这勾勒出了大提琴的优雅曲线和演奏者拉弓的剪影，使人物与背景的蓝色立方体分离，增强了画面的立体感 。
二、 红色乐章：悬浮的“2025”与时空对话
如果说大提琴是静谧的海，那么“2025”环节就是燃烧的火。这是闭幕式向未来发出的最强音，也是灯光设计中最具技术难度的机械配合环节。
画面描述： 巨大的红色集装箱被威亚吊至空中，鲜红的“2025”字样在夜空中赫然醒目。集装箱内部是一个明亮的表演空间，演员在其中起舞；下方是深色的海面和远处闪烁的城市灯火 。
灯光策略分析：
- 内外双重空间的平衡： 这个场景的难点在于处理“箱内”与“箱外”的光比。牛亚飞团队必须保证集装箱内部的照度足够高，让观众看清演员的动作，同时又不能让溢出的光线破坏外部“2025”字样的剪影效果 。设计团队通过在集装箱内部内嵌定制的线性灯带，解决了内部照明；而外部则利用远程追踪光束，仅仅打亮“2025”的轮廓，使其像烙印一样悬浮在夜空。
- 暖色调的情绪爆发： 配合“展望未来”的主题，此时的全域灯光从之前的冷蓝瞬间切换为热烈的中国红与暖橙色。这种色彩的突变在心理上给观众造成了强烈的冲击感，象征着从海洋的深沉转向城市的活力与未来的希望 。
- 威亚轨迹的隐形护航： 正如前文所述，在集装箱移动的过程中，辅助光在黑暗中为机械的运动提供了安全参照，但这些光束被巧妙地隐藏了光源，观众肉眼只能看到集装箱神奇地“飞”来，而忽略了背后的牵引系统，完美诠释了“艺术掩盖技术”的设计哲学 。
三、 宏大叙事：千人方阵与光的秩序
在闭幕式的高潮部分，数千名演员组成的方阵在舞台上铺陈开来，背景是璀璨的城市天际线。这是最考验灯光总控能力的时刻。
画面描述： 巨大的舞台上，演员们身着不同颜色的服装（红、黄、蓝），排列成复杂的几何图形或文字。地面投影与侧向光束交织，将整个舞台变成了一块巨大的发光地毯 。
灯光策略分析：
- 区域切割与统一： 面对如此庞大的舞台，牛亚飞团队利用切割灯将舞台划分为多个亮度等级不同的区域。主要表演区（Main Zone）照度最高，确保核心队形的清晰；辅助区（Support Zone）亮度递减，作为过渡；而边缘与观众席则由环境光柔和填充 。这种分层处理，避免了“一片大亮”造成的视觉疲劳。
- 地景艺术的结合： 从高机位俯瞰，地面的光影图案（Gobo）与演员的队形形成了互文。灯光投射出流动的线条或波浪纹理，演员仿佛是在光织的河流中穿行。这种“人在光里”的处理，让每一个个体都成为了宏大光影画卷的一个像素点 。
- 城市背景的呼吸感： 在此场景中，远处的楼宇灯光不再是静态背景，而是参与了表演。当舞台上的方阵变换为红色时，背景楼群也同步泛起红光；当舞台转为蓝色，楼宇则呈现冷色调。光束将舞台的边界无限延展，仿佛整个粤港澳大湾区都在此刻共舞 。
第五章：幕后铸魂——时光视艺的“光之哲学”
一、 团队基因：创意为核，技术为翼
这场震撼世人的视听盛宴背后，是以牛亚飞为核心的北京时光视艺文化传媒有限公司（Time Vision Art）团队。这并非一支临时拼凑的队伍，而是一支拥有深厚行业积淀的“特种部队”。
核心成员画像： 时光视艺成立于2018年，但其核心成员均来自于国内一线设计创意公司，拥有超过18年的行业经验 。他们曾身经百战，从2014年南京青奥会的青春风暴，到2016年杭州G20峰会的诗画江南，再到2022年北京冬奥会的冰雪奇迹，这支团队始终活跃在中国国家级盛事的第一线 。
设计理念： 牛亚飞将公司的核心理念总结为：“让创意通过假定性场景，还原真实性场景，给观赏者带来更加入境、入景、入心视听盛宴。” 在十五运闭幕式中，这一理念体现得淋漓尽致——海面本是虚无的（假定性），但通过光的构建，它变成了承载情感的实体舞台（真实性），最终让观众沉浸其中。
二、 牛亚飞：带着思考去设计
作为灯光总设计师，牛亚飞不仅是一位技术专家，更是一位思考者。在项目的筹备与执行全程，他始终带着“让灯光跟着创意走、跟着情绪动”的思维模式 。
他反对炫技式的灯光堆砌，主张“功能性为基、艺术性为魂” 。在他看来，最好的灯光设计是“看不见的”——它融入了表演，融入了音乐，融入了环境，观众感受到了震撼与感动，却忘记了光的存在。
“对我们来说，这次设计不只是解决技术问题，更是要让灯光成为晚会创意与情感的‘翻译官’。” 这句话精准地概括了牛亚飞的职业信条。他将光视为一种通用的艺术语言，无论是面对专业演员还是普通观众，无论是面对浩瀚大海还是钢筋水泥，光都能架起沟通的桥梁。
三、 行业启示：以创意带技术
第十五届全运会闭幕式的灯光设计，不仅是一次成功的演出，更为行业留下了宝贵的实操案例。
牛亚飞团队展示了如何在极端环境（室外海景）下，通过定制设备（大功率激光）和创新手段（海-城联动），突破物理条件的限制 。更重要的是，他们证明了“以创意带技术、以情感带光效”的可行性 。技术永远是服务于艺术的，当创意足够强大，技术难题总有破解之道。
结语
当最后一束光隐入夜空，第十五届全运会闭幕式缓缓落下帷幕。但牛亚飞和时光视艺留下的光影记忆，将长久地刻印在每一位观众的脑海中。这不仅是对体育精神的礼赞，更是中国舞台美术设计实力的一次完美展示。在这片连接过去与未来的海面上，他们用光写下了一首关于梦想、城市与人的抒情诗。